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Alvarrock García

EL HIJO DE DÍAZ ORDAZ

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“Lo que no has de ver en tu casa lo has de tener”, así le pasó al ex presidente Gustavo Díaz Ordaz.

“Ya solo podrá tocar el hijo de Díaz Ordaz…” dice la letra de Abuso de Autoridad de El Tri, y sí, esta letra hacía referencia a una realidad: el hijo de Díaz Ordaz era la oveja ronckandrollera, digo, la oveja negra de la familia presidencial.

Alfredo Díaz Ordaz, el hijo menor de la familia presidencial, se salía del molde: era inquieto, rebelde e informal, cosa que le molestaba sumamente a su padre, el nefasto Gustavo Díaz Ordaz, quien, a pesar de esto, lo tenía muy consentido.

“Alfredito” se inclinó en su adolescencia por la música rock, en especial por el rock progresivo y la psicodelia; decidió aprender música y dio rienda suelta a la experimentación musical, cantando, tocando y componiendo. De esta manera Alfredo Díaz Ordaz forma varios grupos, entre ellos Renaissance y Love Syndicate.

Love Syndicate fue un grupo psicodélico, liderado por Alfredo, en el que el rock, el pop y el a go go, se fusionan de manera ácida, obteniendo como resultado un estilo interesante, aunque un tanto falto de madurez; pero como ejercicio y experimento es bastante bueno y le serviría al hijo de Díaz Ordaz para su siguiente proyecto.

De este grupo sólo quedó un registro, un disco de 7 pulgadas, el cual contiene 3 tracks, los 3 cargados de inspiración lisérgica.

Renaissance, otra banda dirigida por Alfredo Díaz Ordaz, fue un proyecto bastante bueno, en el que la psicodelia se fusionó con percusiones y metales, logrando un sonido tipo macro banda, bastante compacto, que luce en diversos momentos. La voz de “Alfredito” no es tan buena, pero tiene cierta personalidad que le da un plus y la salva. El único registro de este proyecto es un solo disco, autotitulado, publicado entre 1971 y 1972, el cual, aunque Usted no lo crea, es gran calidad.

Al fallecer su madre, Alfredo se aisla un poco y se aleja de la música, hasta que en los 80s regresa con la banda Lucrecia, banda de funk rock, con algo de música disco; este fue un grupo bastante original, que llegó a abrirle a Alice Cooper en el concierto que dio en Monterrey en 1980.

Alfredo Díaz Ordaz fue productor de varios discos y organizador de conciertos de rock, y es considerado por algunos como un genio del rock mexicano pero que fue olvidado o menospreciado, debido a que nunca pudo quitarse el “estigma” de ser el hijo del ex presidente y de haber sido el productor de Thalía en sus inicios.

Antes de terminar con este artículo, no podemos omitir una historia conocida por pocos, pero que resulta memorable: Alfredito, inmerso en el ambiente rockero y con muy buenas amistades debido a su estatus de hijo del presidente Díaz Ordaz, conoce a diversos empresarios, entre ellos a los que organizaron los conciertos de The Doors en nuestro país, en 1969. Esto lo aprovechó para conocer a Jim Morrison con quien, se dice, mantuvo cierta amistad. En 1970, Jim Morrison viajó a la Ciudad de México para pasar el rato y turistear; resulta que Alfredo la hizo de anfitrión del Rey Lagarto y lo llevó a él y a otros amigos a la residencia presidencial de Los Pinos, aprovechando que su papá se encontraba fuera de la ciudad. Armaron una fiesta de escándalo con sexo, drogas, alcohol y rock and roll y de repente llega el presidente Díaz Ordaz y los cacha en plena movida.

¿Se imaginan la escena? ¡Jim Morrison bien pacheco frente a frente con Gustavo Díaz Ordaz, en la casa de Los Pinos! Dicen que el presidente se encolerizó y casi cacheteó a su hijo, corriendo a todo mundo de la casa, con todo y “mois” y alcohol.

Como bien dice el dicho: “Lo que no has de ver en tu casa lo has de tener”, así le pasó a Gustavo Díaz Ordaz.

Apasionado de la música y la fotografía, y de la conjugación de ambas.

Alvarrock García

ANÉCDOTAS ROCKERAS: BOB DYLAN EL TRAIDOR ELÉCTRICO

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En 1965, Bob Dylan dio un giro en su estilo, pasando del folk al rock, generando gran controversia.

Bob Dylan es una de las grandes leyendas vivientes de la música popular. Sus exquisitas y profundas composiciones, su inteligencia y su aura misteriosa, han sido factores clave en el surgimiento del mito que hay en torno a él.

En 1965, Bob Dylan se disponía a grabar el que sería su quinto disco; los 4 anteriores lo habían llevado al éxito comercial y a ganarse el respeto unánime, tanto del público como de medios de comunicación, esto debido al enorme talento que derrochaba en cada grabación. La línea folk que Dylan había manejado estaba por dar un giro, ya que había decidido experimentar con instrumentos eléctricos, acercándose, con esto, al blues y al rock.

Fue así como el 22 de marzo del año mencionado, el disco “Bringing it all back home” salía al mercado; dicho material consistía en 4 canciones de corte folk, pero incluía varias con instrumentación eléctrica, en las que Bob Dylan abrazaba de lleno al rock. Ante este cambio tan notorio, la respuesta a este disco fue diversa, obteniendo en su mayoría críticas positivas, además de que con el paso del tiempo este material ha alcanzado una trascendencia enorme en la historia de la música popular, pero no todo fue “miel sobre hojuelas”.

La mayoría de los seguidores de Bob Dylan eran amantes del folk, y estos vaya que no recibieron con buenos ojos el cambio musical. No solo hubo disgusto, sino que hubo hasta repudio de parte de varios sectores, incluyendo de algunos artistas folk.

El evento de mayor trascendencia al respecto se dio el 25 de julio de 1965, se trata del Festival de Folk de Newport. Bob Dylan ya se había presentado en dicho festival en las 2 ediciones anteriores, en las cuales tuvo un éxito contundente. En esta ocasión Bob Dylan se armó con una guitarra eléctrica Fender stratocaster y una banda de apoyo; la presentación inició a ritmo de rock y las cosas no salieron tan bien: los abucheos se hicieron presentes de forma casi generalizada, pero Dylan se mantuvo concentrado en la música y no prestó mucha atención. El clima de hostilidad continuó, ahora acompañado de insultos, tales como “Traidor”, “vendido”, “prostituta” y otros más. Ante esto, Bob Dylan decidió abandonar el escenario, al terminar la tercera canción del set.


Bob Dylan – Like a Rolling Stone (Live… por toma-uno

El maestro de ceremonias pidió a Dylan que regresara al escenario, para continuaro con el show, ante lo cual Dylan accedió, esta vez armado solo con una guitarra acústica, complaciendo de mala gana al público, ejecutando “Mr Tambourine Man” e “It’s all over now, baby blue”, dejando ahora sí en definitiva el escenario del Newport folk Festival.

Este hecho supondría un gran fracaso para el artista, pero Dylan lo tomó con mucha filosofía y voluntad, y continuó con una mentalidad abierta hacia su estilo musical, tomando elementos del folk, el rock y el blues, sin importarle lo que las disqueras, medios de comunicación ni el público pensaran al respecto.

De hecho, el clima de hostilidad hacia él duró toda la gira, culminando el 17 de mayo de 1966 en Manchester; esa noche Bob Dylan daba un concierto más, abriendo con un set acústico y posteriormente, daría un set eléctrico; nuevamente, la furia de los fanáticos se haría presente: mientras la banda se preparaba para tocar, un sujeto del público le gritó a Dylan “Judas”, ante esto Bob se acerca al micrófono y le responde “No te creo… eres un mentiroso”, indicándole a su grupo que toqué con coraje, dando pie a la maravillosa “Like a Rolling Stone”.

Los “incidentes” (por llamarlos de alguna manera) de Newport y Manchester significaron algunos de los hechos más trascendentales en la historia del rock y de la música popular, representaron actos libertarios de uno de los músicos más importantes de todos los tiempos, y marcaron un antes y un después en el rock. Estos sucesos ayudaron, además, a elevar el mito de Bob Dylan, convirtiéndolo en un símbolo para muchas generaciones.

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Alvarrock García

ROCK & ROLAS: “JEREMY” – PEARL JAM

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El poderoso álbum debut de Pearl Jam impactó al mundo con “Jeremy”.

Texto: Alvarrock García @Alvarrock_GM

Corría el año de 1991 y un fenómeno musical surgido en la zona de Seattle, Estados Unidos, comenzaba a explotar: le llamaban grunge. Dentro de este movimiento se alzó un grupo que se mostraba contundente, teniendo bajo el brazo su álbum debut, titulado “Ten”, la banda en cuestión se llamaba Pearl Jam.

De inmediato dicho disco comenzó a ser difundido y el poderío sónico de Pearl Jam arrasó con Estados Unidos, para pronto extenderse hacia el resto del mundo. Dentro de este gran disco debut, se encuentra una canción que impactó por su letra cruda y directa, basada en un terrible suceso que aconteció en una escuela estadounidense.

El 8 de enero de 1991, una tragedia cubrió de luto y dolor a la comunidad de Richardson, Texas: poco después de las 9 de la mañana, un chico de 16 años, llamado Jeremy Wade Delle, entró a su salón de clases y ahí, frente a sus compañeros y maestros, se suicidó, pegándose un tiro en la boca, utilizando para ello un revolver Magnum, calibre.357. Esa mañana Jeremy llegó perdió la primera clase de inglés y su maestra, Faye Barnett, le dijo que fuera a la dirección por un pase de admisión para la segunda clase, Jeremy se fue y regresó con el arma en la mano y dijo en voz alta: “Maestra, conseguí lo que fui buscar”, para posteriormente acabar con su vida.

Esta no fue más que la dolorosa consecuencia de una cadena de desventuras que el pobre Jeremy no merecía: fue víctima de constante acoso escolar, desatención de parte de sus padres y el resquebrajamiento de su familia.

Eddie Vedder vio la noticia de este acontecimiento en el periódico y le impactó tanto que se propuso hacer una canción al respecto. Trató de ser lo más crudo y directo posible en la letra, para darle mayor contundencia y dramatismo a la canción y lo logró. Jeff Ament, bajista de Pearl Jam, se encargó de la música de la canción, tratando de acentuar aún más el grado de tensión que posee la letra, logrando un resultado asombroso, que hace que se te enchine la piel.

“Jeremy” fue elegida como tercer sencillo de Ten, y a pesar de la gran respuesta del público, se vio truncada su exposición ante la censura, sobre todo después del controversial video que se hizo de esta canción. A pesar de eso, dicha canción se ha convertido a través del paso del tiempo en una canción catalogada como una clásica de clásicas, y una de las más populares de Pearl Jam.

Su crudeza y la mezcla de rabia, tristeza y desesperanza hacen de “Jeremy” una canción que desgarra el alma, pero eso no le resta lo maravillosa que es.

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Alvarrock García

ROCK EN ESPAÑOL Y LITERATURA

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Héroes del silencio, Botellita de Jerez y Café Tacvba se han inspirado en algunos libros para componer algunas de las mejores canciones del rock en español.

Texto y fotografía: Alvarrock García @Alvarrock_GM

El rock en español está cargado de majestuosas canciones que han tenido como inspiración el amor, el desamor, la desesperanza y demás situaciones existenciales, originándose ya sea por experiencias propias del compositor en cuestión o por situaciones que le han pasado a conocidos de él.

Pero también ha compositores del rock mexicano, que se han inspirado gracias a algunos libros que, de alguna manera, les han influido o les han generado gran impacto en su vida. Así pues, en el presente artículo te presentamos el caso de 3 canciones de rock en español influidas por libros.

“LAS BATALLAS” – CAFÉ TACVBA

“Las Batallas” es una preciosa y conmovedora canción, incluida en su álbum debut. Está basada en la bellísima novela corta “Las Batallas en el desierto”, del maestro José Emilio Pacheco.

La canción de Café Tacvba sirvió para que muchos jóvenes se acercaran a la literatura mexicana y la revalorizaran. En “Las Batallas” se narra el prohibido e imposible amor que Carlos, un niño, siente por Mariana, la mamá de su mejor amigo, con toda la desesperanza, dolor y frustración que esto acarrea.

“LABERINTO DE LA SOLEDAD, CAPÍTULO IV”

Incluida en su disco “Forjando Patria”, la canción “Laberinto de la Soledad (Capítulo IV)”, se muestra como una canción divertida pero, a la vez, profunda. Esta canción de “Los botellos” está basada precisamente en el capítulo IV de El Laberinto de la Soledad, de Octavio Paz.

En dicho capítulo, Paz profundiza en lo que la mujer representa para el mexicano, además de ahondar en el origen y uso del verbo “chingar” en nuestro país. A partir de esta última temática, La Botellita de Jerez desarrolla un inteligente y divertidísimo juego de versos.

“SIRENA VARADA” – HÉROES DEL SILENCIO

En el disco “El espíritu del vino”, Héroes del silencio daba un giro importante en su estilo musical. Un sonido más denso y pesado se percibía claramente, además de que las letras se volvían un tanto más oscuras, destacando el caso de “Sirena varada”.

Esta canción está inspirada en la obra del mismo nombre, del dramaturgo español Alejandro Casona, la cual salió a la luz en 1934. En dicha historia, un grupo de personas busca alejarse de la sociedad, marginándose en un mundo utópico, hasta que un personaje llamado Sirena, buscará hacer cambiar de parecer a dichas personas, las cuales se resisten a la simple idea de enfrentar la realidad.

“Sirena Varada” es una de las canciones más populares de Héroes del Silencio, la cual se volvió, desde el principio, en una de las infaltables en sus conciertos, esto gracias a su emotividad e intensidad.

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