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Alvarrock García

Grupos de rock efímeros pero trascendentales

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Algunos grupos de rock no necesitaron de extensas trayectorias para generar un impacto en la música, sino que fueron grupos de rock efímeros pero trascendentales.

Texto: Alvarrock García @Alvarrock_GM

Hay bandas que para alcanzar la cima del éxito y lograr trascender en el difícil mundo del rock requieren de prolongadas trayectorias, y aun así algunas se quedan en un nivel medio. En cambio, hay otros grupos que tuvieron fugaces existencias pero que lograron el reconocimiento del público y la crítica, alcanzando una trascendencia enorme.

Así, en este artículo enlistaremos a 5 de las bandas efímeras más trascendentales en la historia del rock; para ello tomamos como criterio el que dichos grupos hayan tenido hasta 5 años de actividad y no más. Bajo este argumento quedan fuera los casos de The Doors, Nirvana y otros que no llegaron a la década de existencia.

Cream (1966 – 1968)

Uno de los “super grupos” más exitosos de la historia y el “power trío” por excelencia. Cream estuvo conformado por Eric Clapton en la guitarra y voz, Ginger Baker en la batería y Jack Bruce en el bajo y voz.

Alcanzaron a publicar en su casi 3 años de existencia 4 álbumes de estudio, todos ellos de gran calidad. El estilo de Cream consistía en una excitante mezcla de jazz, blues y tintes psicodélicos; las presentaciones de la banda estaban plagadas de extensos y frenéticos jams, en donde la capacidad técnica y de improvisación de cada integrante enloquecía l público.

Finalmente, los excesos y la lucha de egos hicieron imposible continuar con el grupo, siguiendo cada quien su propio camino.

Creedence Clearwater Revival (1967 – 1972)

Creedence Clearwater revival fue una banda que en muy poco tiempo logró labrar un legado que persiste hasta nuestros días. Esta agrupación estaba integrada por Doug Cilfford en la batería, Stu Cook en el bajo y los hermanos Tom (guitarra rítmica) y John Fogerty en la guitarra y voz.

El característico “sonido Bayou” de Creedence, el cual era fruto de la mezcla del blues, rock sureño, country y el góspel, llevaron a esta banda a darle la vuelta al mundo y alcanzar un éxito impensable en los poco menos de 5 años de carrera. En este tiempo lograron sacar a la luz la cantidad de 7 discos de estudio, suma envidiable incluso para bandas con mayor tiempo de trayectoria.

Sex Pistols (1975 – 1978)

Sex Pistols es una de las bandas emblemáticas del movimiento punk de finales de los 70’s. Esta agrupación nació en 1975, estando integrada por Johnny Rotten en la voz, Steve Jones en la guitarra, Paul Cook en la batería y Glen Matlock en el bajo, siendo éste último sustituido por el caótico Sid Viciuos a principios de 1977.

El irreverente, agresivo y frenético estilo de los Sex Pistols ayudaron a crear el lema de que la actitud era más importante en el rock; en el tiempo que la agrupación se mantuvo viva, lograron publicar solamente un álbum de estudio, el legendario “Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols”, además de algunos sencillos, lo cual les bastó para volverse en un referente del punk y en una banda que logró la trascendencia a pesar del paso del tiempo.

Joy Division (1976 – 1980)

No se puede hablar de post – punk sin hacer referencia a Joy Division. Joy Division surgió en Manchester, Inglaterra, en 1976. Estaba integrada por Bernard Sumner en la guitarra, Peter Hook en el bajo, Stephen Morris en la batería y el maravilloso Ian Curtis en la voz y ocasionalmente en la guitarra.

Joy Division fue una banda que impactó enormemente tanto por su música como por su estética; musicalmente hablando eran poseedores de un estilo en el que destacaban la contundencia de la batería, el virtuosismo de Hook en el bajo, acordes de guitarra hipnóticos, logrando atmósferas melancólicas, densas, oscuras. El trabajo en las letras corría a cargo de Ian, quien se aferró a dar rienda suelta a la vorágine de sentimientos que llevaba por dentro. La forma de vestir de Joy Division marcó una línea e influenció a músicos y jóvenes de esa época, la cual se ha extendido a nuestros días.

Esta banda alcanzó a sacar sólo 2 álbumes de estudio. Su final llegaría de manera abrupta con el suicidio de Ian Curtis el 18 de mayo de 1980.

The Smiths (1982 – 1987)

The Smiths es un grupo de Manchester, el cual nació en 1982. Estuvo conformado por Johnny Marr en la guitarra, Andy Rourke en el bajo, Mike Joyce en la batería y Morrissey en la voz. El valor del legado de The Smiths es enorme y con el paso del tiempo continúa revalorándose.

Su estilo musical se encuentra entre el post punk, el new wave y el rock alternativo; sus características más notables son el excelso estilo de Marr en la guitarra y la más que solvente base rítmica, a la par de la muy particular voz de Morrissey y su apabullante presencia escénica.

En los 5 años de existencia de The Smiths lograron realizar 4 discos de estudio, más varias recopilaciones; de dicha discografía se desprenden algunas de las canciones clásicas de los 80’s como “There is a light that never goes out”, “This charming man”, “Panic”, “Meat is murder”, “How son is now?”, “I know it’s over”, entre otras.
The Smiths llegó a su fin en 1987, la lucha de egos y las diferencias musicales, específicamente entre Marr y Morrissey, hacían imposible continuar con el grupo; tiempo después se desatarían diversas demandas entre los integrantes de The Smiths, con lo que las diferencias se marcaron aun más. Se han hecho innumerables intentos de parte de empresarios y festivales por una reunión de la banda, los cuales han sido infructuosos.

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Alvarrock García

ANÉCDOTAS ROCKERAS: BOB DYLAN EL TRAIDOR ELÉCTRICO

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En 1965, Bob Dylan dio un giro en su estilo, pasando del folk al rock, generando gran controversia.

Bob Dylan es una de las grandes leyendas vivientes de la música popular. Sus exquisitas y profundas composiciones, su inteligencia y su aura misteriosa, han sido factores clave en el surgimiento del mito que hay en torno a él.

En 1965, Bob Dylan se disponía a grabar el que sería su quinto disco; los 4 anteriores lo habían llevado al éxito comercial y a ganarse el respeto unánime, tanto del público como de medios de comunicación, esto debido al enorme talento que derrochaba en cada grabación. La línea folk que Dylan había manejado estaba por dar un giro, ya que había decidido experimentar con instrumentos eléctricos, acercándose, con esto, al blues y al rock.

Fue así como el 22 de marzo del año mencionado, el disco “Bringing it all back home” salía al mercado; dicho material consistía en 4 canciones de corte folk, pero incluía varias con instrumentación eléctrica, en las que Bob Dylan abrazaba de lleno al rock. Ante este cambio tan notorio, la respuesta a este disco fue diversa, obteniendo en su mayoría críticas positivas, además de que con el paso del tiempo este material ha alcanzado una trascendencia enorme en la historia de la música popular, pero no todo fue “miel sobre hojuelas”.

La mayoría de los seguidores de Bob Dylan eran amantes del folk, y estos vaya que no recibieron con buenos ojos el cambio musical. No solo hubo disgusto, sino que hubo hasta repudio de parte de varios sectores, incluyendo de algunos artistas folk.

El evento de mayor trascendencia al respecto se dio el 25 de julio de 1965, se trata del Festival de Folk de Newport. Bob Dylan ya se había presentado en dicho festival en las 2 ediciones anteriores, en las cuales tuvo un éxito contundente. En esta ocasión Bob Dylan se armó con una guitarra eléctrica Fender stratocaster y una banda de apoyo; la presentación inició a ritmo de rock y las cosas no salieron tan bien: los abucheos se hicieron presentes de forma casi generalizada, pero Dylan se mantuvo concentrado en la música y no prestó mucha atención. El clima de hostilidad continuó, ahora acompañado de insultos, tales como “Traidor”, “vendido”, “prostituta” y otros más. Ante esto, Bob Dylan decidió abandonar el escenario, al terminar la tercera canción del set.


Bob Dylan – Like a Rolling Stone (Live… por toma-uno

El maestro de ceremonias pidió a Dylan que regresara al escenario, para continuaro con el show, ante lo cual Dylan accedió, esta vez armado solo con una guitarra acústica, complaciendo de mala gana al público, ejecutando “Mr Tambourine Man” e “It’s all over now, baby blue”, dejando ahora sí en definitiva el escenario del Newport folk Festival.

Este hecho supondría un gran fracaso para el artista, pero Dylan lo tomó con mucha filosofía y voluntad, y continuó con una mentalidad abierta hacia su estilo musical, tomando elementos del folk, el rock y el blues, sin importarle lo que las disqueras, medios de comunicación ni el público pensaran al respecto.

De hecho, el clima de hostilidad hacia él duró toda la gira, culminando el 17 de mayo de 1966 en Manchester; esa noche Bob Dylan daba un concierto más, abriendo con un set acústico y posteriormente, daría un set eléctrico; nuevamente, la furia de los fanáticos se haría presente: mientras la banda se preparaba para tocar, un sujeto del público le gritó a Dylan “Judas”, ante esto Bob se acerca al micrófono y le responde “No te creo… eres un mentiroso”, indicándole a su grupo que toqué con coraje, dando pie a la maravillosa “Like a Rolling Stone”.

Los “incidentes” (por llamarlos de alguna manera) de Newport y Manchester significaron algunos de los hechos más trascendentales en la historia del rock y de la música popular, representaron actos libertarios de uno de los músicos más importantes de todos los tiempos, y marcaron un antes y un después en el rock. Estos sucesos ayudaron, además, a elevar el mito de Bob Dylan, convirtiéndolo en un símbolo para muchas generaciones.

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Alvarrock García

ROCK & ROLAS: “JEREMY” – PEARL JAM

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El poderoso álbum debut de Pearl Jam impactó al mundo con “Jeremy”.

Texto: Alvarrock García @Alvarrock_GM

Corría el año de 1991 y un fenómeno musical surgido en la zona de Seattle, Estados Unidos, comenzaba a explotar: le llamaban grunge. Dentro de este movimiento se alzó un grupo que se mostraba contundente, teniendo bajo el brazo su álbum debut, titulado “Ten”, la banda en cuestión se llamaba Pearl Jam.

De inmediato dicho disco comenzó a ser difundido y el poderío sónico de Pearl Jam arrasó con Estados Unidos, para pronto extenderse hacia el resto del mundo. Dentro de este gran disco debut, se encuentra una canción que impactó por su letra cruda y directa, basada en un terrible suceso que aconteció en una escuela estadounidense.

El 8 de enero de 1991, una tragedia cubrió de luto y dolor a la comunidad de Richardson, Texas: poco después de las 9 de la mañana, un chico de 16 años, llamado Jeremy Wade Delle, entró a su salón de clases y ahí, frente a sus compañeros y maestros, se suicidó, pegándose un tiro en la boca, utilizando para ello un revolver Magnum, calibre.357. Esa mañana Jeremy llegó perdió la primera clase de inglés y su maestra, Faye Barnett, le dijo que fuera a la dirección por un pase de admisión para la segunda clase, Jeremy se fue y regresó con el arma en la mano y dijo en voz alta: “Maestra, conseguí lo que fui buscar”, para posteriormente acabar con su vida.

Esta no fue más que la dolorosa consecuencia de una cadena de desventuras que el pobre Jeremy no merecía: fue víctima de constante acoso escolar, desatención de parte de sus padres y el resquebrajamiento de su familia.

Eddie Vedder vio la noticia de este acontecimiento en el periódico y le impactó tanto que se propuso hacer una canción al respecto. Trató de ser lo más crudo y directo posible en la letra, para darle mayor contundencia y dramatismo a la canción y lo logró. Jeff Ament, bajista de Pearl Jam, se encargó de la música de la canción, tratando de acentuar aún más el grado de tensión que posee la letra, logrando un resultado asombroso, que hace que se te enchine la piel.

“Jeremy” fue elegida como tercer sencillo de Ten, y a pesar de la gran respuesta del público, se vio truncada su exposición ante la censura, sobre todo después del controversial video que se hizo de esta canción. A pesar de eso, dicha canción se ha convertido a través del paso del tiempo en una canción catalogada como una clásica de clásicas, y una de las más populares de Pearl Jam.

Su crudeza y la mezcla de rabia, tristeza y desesperanza hacen de “Jeremy” una canción que desgarra el alma, pero eso no le resta lo maravillosa que es.

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Alvarrock García

ROCK EN ESPAÑOL Y LITERATURA

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Héroes del silencio, Botellita de Jerez y Café Tacvba se han inspirado en algunos libros para componer algunas de las mejores canciones del rock en español.

Texto y fotografía: Alvarrock García @Alvarrock_GM

El rock en español está cargado de majestuosas canciones que han tenido como inspiración el amor, el desamor, la desesperanza y demás situaciones existenciales, originándose ya sea por experiencias propias del compositor en cuestión o por situaciones que le han pasado a conocidos de él.

Pero también ha compositores del rock mexicano, que se han inspirado gracias a algunos libros que, de alguna manera, les han influido o les han generado gran impacto en su vida. Así pues, en el presente artículo te presentamos el caso de 3 canciones de rock en español influidas por libros.

“LAS BATALLAS” – CAFÉ TACVBA

“Las Batallas” es una preciosa y conmovedora canción, incluida en su álbum debut. Está basada en la bellísima novela corta “Las Batallas en el desierto”, del maestro José Emilio Pacheco.

La canción de Café Tacvba sirvió para que muchos jóvenes se acercaran a la literatura mexicana y la revalorizaran. En “Las Batallas” se narra el prohibido e imposible amor que Carlos, un niño, siente por Mariana, la mamá de su mejor amigo, con toda la desesperanza, dolor y frustración que esto acarrea.

“LABERINTO DE LA SOLEDAD, CAPÍTULO IV”

Incluida en su disco “Forjando Patria”, la canción “Laberinto de la Soledad (Capítulo IV)”, se muestra como una canción divertida pero, a la vez, profunda. Esta canción de “Los botellos” está basada precisamente en el capítulo IV de El Laberinto de la Soledad, de Octavio Paz.

En dicho capítulo, Paz profundiza en lo que la mujer representa para el mexicano, además de ahondar en el origen y uso del verbo “chingar” en nuestro país. A partir de esta última temática, La Botellita de Jerez desarrolla un inteligente y divertidísimo juego de versos.

“SIRENA VARADA” – HÉROES DEL SILENCIO

En el disco “El espíritu del vino”, Héroes del silencio daba un giro importante en su estilo musical. Un sonido más denso y pesado se percibía claramente, además de que las letras se volvían un tanto más oscuras, destacando el caso de “Sirena varada”.

Esta canción está inspirada en la obra del mismo nombre, del dramaturgo español Alejandro Casona, la cual salió a la luz en 1934. En dicha historia, un grupo de personas busca alejarse de la sociedad, marginándose en un mundo utópico, hasta que un personaje llamado Sirena, buscará hacer cambiar de parecer a dichas personas, las cuales se resisten a la simple idea de enfrentar la realidad.

“Sirena Varada” es una de las canciones más populares de Héroes del Silencio, la cual se volvió, desde el principio, en una de las infaltables en sus conciertos, esto gracias a su emotividad e intensidad.

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