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Reseñando ruido: Concierto “Espantósamente acústico” – Espantosas X

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Las Espantosas X estrenan DVD, en el que se plasma la tocada que ofrecueron en 2014 en el Aula Magna de la UANL.

Por: César Casillas

En la toma fija del video, mientras sonaba la canción “Equivocadamente”, se asomaban las siluetas de dos cabezas bailando ska… Espantosas X tocaba en el escenario, austero, frio y pesado del Aula Magna de la UANL, ambas siluetas seguramente no pudieron sujetarse a la disciplina de aquellas butacas y fueron levantados por aquel ska poco tradicional tan característico de las Espantosas.

Las imágenes grabadas en ese concierto, a pesar de su manufactura áspera y rudimentariamente universitaria, supieron reflejar el espíritu de esta banda independiente, un sonido crudo, sin pulir, sin artificios, sin pretensiones, el sonido de una banda emergente que en 19 años no se han decidido a autodenominarse artistas, al contrario, se hacen llamar “una banda de cochera” que sin disquera con altos presupuestos ni videoclips, se ha hecho de algunos cientos de fieles seguidores en Monterrey, Querétaro, DF… entre los que debo incluirme.

Espantosamente acústico (2016) es el dvd del concierto ofrecido en el Aula Magna de Colegio Civil el 6 de noviembre del 2014, parte de la serie de tocadas “Rock al aula” organizadas por Homero Ontiveros (Inspector, Cabrito Vudú) y editado por la Secretaría de extensión y cultura de la UANL, en colaboración con Nandas 78 Records y Mendigo boy recor´d.

El dvd que adquirí es parte de la primer remesa de 250 copias para promocionar su tocada del 10 de julio en el Nandas 78 del Barrio Antiguo, tocada en la que podré expiar mi culpa por no haber estado presente en aquel concierto del Aula Magna que, sin duda, marcó un precedente en la carrera de los Espantosos.

Musicalmente hablando, el dvd nos muestra unas Espantosas X diferentes a las que podemos ver en sus conciertos habituales, Julio Medellín (guitarra y voz), Rulock (Guitarra y coros), Victorio (Guitarra y mandolina), El Apa (Bajo y coros), Shago (Saxofon), Alan Lee (Bateria) y Neri Hernandez (Piano y acordeón, como músico invitado), adaptaron sus canciones más populares a un estilo acústico, así como canciones poco conocidas por los seguidores menos fanáticos, esto para ofrecer un concierto muy íntimo en el que la agrupación advierte, desde la contraportada del disco, que veremos y escucharemos una tocada experimental, con los errores e improvisación que esto conlleva, a esto se sumaron las tomas “standard” propias de estos conciertos, trasmitidos por lo regular en el canal 53 de la misma UANL. Así que, vemos un producto que no pareciera ser pensado desde un inicio para su comercialización, sin embargo, esto no desentona con el estilo de un grupo que se sostiene más por su entrega y el corazón que dejan derramado sobre el escenario, ya sea este una tarima pequeñita ante 50 personas en la explanada del Palacio Municipal de Monterrey, o, como meses después ocurrió, compartiendo escenario con los Tokyo Ska Paradise Orchestra.

En vivo, Espantosas X te genera una sensación de euforia genuina, no son los rebuscados artificios musicales, la extravagante mezcla de ritmos o el performance ideado para impactar escénicamente, no es la lírica pretensiosa… es la reveladora simpleza de sus letras que te toma del cuello y te conmueve, es la presentación honesta y bien ejecutada de sus ritmos, que no es ska, ni es rock, ni es alguna “innovadora” mezcla de cumbia con lo que sea… solo es el ritmo exacto con la letra precisa que te jala hacia el slam violento, o te hace abrazarte de los demás en una “melancolía colectiva” cantando “El amor apesta”… por decir algún ejemplo vivido.

La lirica de Julio Medellín, líder, voz y guitarra de las Espantosas, lleva entre sus caracteres y espacios una intrínseca “dulzura de barrio”… cursi y honesto como suelen ser las decepciones amorosas… sin poses y sin moños colgando de sus palabras ante el micrófono. Una tocada de Espantosas te lleva de la euforia a la melancolía constantemente, y sobre todo, lo cual creo que es el mayor mérito de esta banda, te hace sentir parte de la experiencia, tú estás abajo partiéndote la madre en el slam, ellos están arriba tocando, pero bien podrían invertirse los papeles… es una auténtica actitud de banda de cochera, no solo es un eslogan… se los crees.

“Espantosamente acústico” es una producción que te ofrece la posibilidad de ver una faceta poco conocida de esta banda independiente, esto a pesar de algunas fallas en el audio, de las tomas convencionales y la sensación visual amateur. Sin embargo, a pesar de quedarse corto comparado con la intensidad de sus presentaciones en vivo y no ser su mejor carta de presentación, su gran mérito es realizarlo… celebro que se saque a la venta un concierto de una banda independiente, completamente autogestiva, sin disquera transnacional, sin equipo de marketing y, sobretodo, que este dvd tan austero venga acompañado de una oportunidad… un boleto para el concierto de Las Espantosas X el 10 de Julio en el Nandas 78, la oportunidad de ver en vivo a esta “cochera band” y, con un poco de suerte, encontrar en esta presentación lo que muchos ya descubrimos hace tiempo en las Espantosas X.

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“Forrest Gump”: un soundtrack de antología

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Para esta película se logró conformar una de las mejores bandas sonoras de todos los tiempos.

La música es un elemento indispensable en el cine. Crea atmósferas, resalta aspectos de las escenas e impacta emocional y sentimentalmente.

De esta manera, hay directores que se han apoyado del rock para crear la banda sonora ideal para sus películas, siendo uno de los ejemplos más claros y exitosos el caso de Robert Zemeckis y su gran película FORREST GUMP.

Para los (pocos) que no han visto esta película, en Forrest Gump se narra la historia de un niño que padece un leve retraso mental y problemas motrices, en la cual se ahonda sobre su desarrollo y participación activa o como testigo de acontecimientos importantes de la historia estadounidense de las décadas de los 50’s, 60’s, 70’s y parte de los 80’s.

Para ambientar esta historia, Zemeckis y su grupo de colaboradores armaron un soundtrack de antología, el cual salió a la venta en julio de 1994.

En dicho disco se incluyeron 32 canciones, dejando fuera 16 más que habían sido incluidas en la película. Ya desde ahí nos damos cuenta de la riqueza musical de Forrest Gump.

Inmediatamente el disco fue éxito en ventas, logrando vender más de 12 millones de copias.

Amor, desamor, tristeza, alegría, dolor, son algunos de los aspectos de la película que se ven acentuados por las canciones seleccionadas para la banda sonora, además de remarcar la época en la que se desarrollaron las escenas.

Se escogieron sólo canciones estadounidenses por orden expresa de Robert Zemeckis, resultando un coctel musical compuesto por canciones de blues, folk, algo de música disco y mucho rock.

En esta banda sonora no hay puntos bajos, todas las canciones elegidas son de alto calibre.

Imagínense tener reunidas en una misma película canciones de The Doors, Jimi Hendrix, Lynyrd Skynyrd, Simon & Garfunkel, Creedence Clearwater Revival, Elvis Presley, Bob Dylan, Aretha Franklin, The Mamas and The Papas, Fleetwood Mac, The Doobie Brothers entre otras legendarias bandas.

Es en verdad un placer auditivo ver Forrest Gump, en ella podrán escuchar canciones que han traspasado las barreras generacionales, para introducirse al imaginario colectivo rockero.

Se trata sin duda alguna de una de las mejores bandas sonoras de todos los tiempos y para regocijo de nosotros los rockeros está llena de canciones del género musical que tanto nos apasiona.

Lista de canciones incluidas:
1. “Hound Dog” – Elvis Presley
2. “Rebel Rouser” – Duane Eddy
3. “(I Don’t Know Why) But I Do” – Clarence “Frogman” Henry
4. “Walk Right In” – The Rooftop Singers
5. “Land of 1000 Dances” – Wilson Pickett
6. “Blowin’ in the Wind” – Joan Baez
7. “Fortunate Son” – Creedence Clearwater Revival
8. “I Can’t Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)” – The Four Tops
9. “Respect” – Aretha Franklin
10. “Rainy Day Women #12 & 35” – Bob Dylan
11. “Sloop John B” – The Beach Boys
12. “California Dreamin'” – The Mamas & the Papas
13. “For What It’s Worth” – Buffalo Springfield
14. “What the World Needs Now Is Love” – Jackie DeShannon
15. “Break on Through (To the Other Side)” – The Doors
16. “Mrs. Robinson” – Simon & Garfunkel
17. “Volunteers” – Jefferson Airplane
18. “Let’s Get Together” – The Youngbloods
19. “San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)” – Scott McKenzie
20. “Turn, turn, turn”- The Byrds
21. “Medley: Aquarius/Let the Sunshine In” – The 5th Dimension
22. “Everybody’s Talkin'” – Nilson
23. “Joy to the World” – Three Dog Night
24. “Stoned Love” – The Supremes
25. “Raindrops Keep Fallin’ on My Head” – B. J. Thomas
26. “Mr. President (Have Pity on the Working Man)” – Randy Newman
27. “Sweet Home Alabama” – Lynyrd Skynyrd
28. “It Keeps You Runnin'” – The Doobie Brothers
29. “I’ve Got to Use My Imagination” – Gladys Knight & the Pips
30. “On the Road Again” – Willie Nelson
31. “Against the Wind” – Bob Seger & the Silver Bullet Band
32. “Forrest Gump Suite” composed and conducted by Alan Silvestri
33. “Running on Empty” – Jackson Browne
34. “Go Your Own Way” – Fleetwood Mac
35. “Lovesick Blues” – Hank Williams
36. “Sugar Shack” – Jimmy Gilmer and The Fireballs
37. “Hanky Panky” – Tommy James and The Shondells
38. “All Along the Watchtower” – The Jimi Hendrix Experience
39. “Soul Kitchen” – The Doors
40. “Hello, I Love You” – The Doors
41. “People Are Strange” – The Doors
42. “Love Her Madly” – The Doors
43. “Hey Joe” – The Jimi Hendrix Experience
44. “Where Have All the Flowers Gone?” – Pete Seeger
45. “Let’s Work Together” – Canned Heat
46. “Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree” – Tony Orlando & Dawn
47. “Get Down Tonight” – KC & The Sunshine Band
48. “Free Bird” – Lynyrd Skynyrd
49. “Running on Empty” – Jackson Browne
50. “Go Your Own Way” – Fleetwood Mac

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Documental “Amy” (2015)

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“Amy” es un gran documental que gira en torno a la figura de la maravillosa Amy Winehouse.

Por César Casillas

Con la muerte de Amy Winehouse, el arco dramático de su historia de éxito había descendido. Porque dentro de ese apartamento en Camden, al norte de Londres, donde encontraron su cuerpo ausente, quedaron vacías tres botellas de vodka, vacía quedó también una escena musical anémica de buen gusto, vacíos quedaron los ojos, muertos, de aquella anciana jazzista atrapada en el cuerpo joven y pequeño de una chica judía que sufrió todo ese talento que le subía por la garganta y se derramaba, inevitable, en el escenario cada que estaba frente a un micrófono. Como Morrison, como Hendrix, como Cobain, murió a los 27 años, como Janis Joplin, con quien comparte aquel mural tan chingón en nosecual colonia de San Nicolás… tan lejos de Camden.

Este pasado fin de semana se cumplieron cinco años de su predecible/novelada/mediática muerte. Esta ocasión ameritaba darle otro vistazo al documental ganador del premio Oscar en este año, Amy (2015), dirigido por Asif Kapadia. Una obra intimista, casi voyeur, que nos relata la historia de la cantante usando como hilo conductor grabaciones caseras, presentaciones en vivo, fotografías, fragmentos de entrevistas y reportajes de televisión; logrando así un lienzo de dos horas, en donde con maestría el director interactúa las imágenes, la música de Winehouse (dibujando además las letras sobre las canciones para acentuarlas) y la voz de los protagonistas (amigos, productores, familia y ella misma), resultando un filme visualmente impactante, estético y embriagante, en el que dichas imágenes y música te cuentan la historia sin necesidad de presentar en pantalla a las personas que dan testimonio, solo sus voces se intercalan hábilmente en las escenas para darle al documental un estilo fresco y ágil, en donde no se pierde el tiempo, en donde cada imagen es valiosa.

Así, la historia es un honesto viaje cámara en mano a lo largo de su vida, agitada, convulsa, codependiente de su hombre, de su botella, de su peculiar y poderosa voz de contralto, de su crack, de su heroína, de su libertad para mandar todo al diablo por la simple y común necesidad humana de echarlo todo a perder, un descenso al infierno de su fama, su matrimonio podrido por las adicciones, el circo mediático en que se convirtió su vida cuando la prensa sensacionalista británica olfateo su sangre y se le lanzó al cuello para arrancarle la voz. El filme es un testimonio de la gran habilidad lírica y musical de Amy Winehouse, de su intensa “relación emocional con la música”, de su desequilibrio, su pasión y su legado.

Dejaré fuera de estas líneas los datos fríos sobre su carrera, cantidad de reconocimientos, el número de copias vendidas, es irrelevante, información de Google. Respecto a la esencia del documental, me quedo con dos imágenes: la expresión del rostro de Amy cuando, desde Londres e impedida para salir de país por sus problemas de drogas, ve a través de un enlace directo como su ídolo, Tony Bennett, la anuncia como ganadora del Grammy a Mejor Artista Nuevo (“Esto es tan aburrido sin drogas” mencionaría después de ganar cinco premios esa noche), y, me quedo con su mirada perdida durante el show en Belgrado, completamente ebria y con su carrera pendiendo de un hilo.

Además, en lo personal, me quedo con la agridulce sensación de que las historias siempre son redondas, círculos que se cierran de manera perfecta. Si Amy Winehouse no hubiera sido el alma mutilada y depresiva que fue, no hubiera tenido el hambre y la rabia para escribir y cantar sus dos íntimos y emblemáticos álbums, Frank (2003) y Back to black (2006), el primero, siendo todo jazz, oscuro, poético y depresivo; el segundo, que le abrió las puertas de Norteamérica y la fama mundial, siendo menos jazz y mas soul, mas sesentas, mas estilero, mas peinado beehive… un disco que con alevosía tomó por asalto la escena musical.

Su primer representante y amigo, Nick Shymansky, menciona que antes de la creación de Back to black se perdió una oportunidad valiosa para internar a Amy en rehabilitación, aunque, reconoce, eso hubiera arruinado el disco no nato, escrito posteriormente y aun en medio de una depresión creativamente indispensable, privada, pues aun no era mundialmente famosa. Del infierno que vivió se generó algo estéticamente muy bello, bello como el documental en su honor, vale mucho la pena.

Una observación cínica: las personas normales no trascienden, las personas felices no hacen buen arte, quien diga lo contrario seguramente pertenece al mediocre bando de la intrascendencia. Amy Winehouse se fusionó con su turbulenta historia, sin dolor no hay logro, el pago por la genialidad de su música fue convertirse en un cadáver con las venas llenas de vodka, un precio alto para algunos, pero conforme avanzan las canciones del disco Back to black en nuestra sala y se va vaciando nuestro vaso de whisky dejando solo los hielos, debemos reconsiderar si en verdad fue tan alto ese precio. Yo, egoístamente, me quedo con su música.

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Reseñando ruido: Documental “We are Twisted Fucking Sister” (2016)

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Te presentamos la reseña sobre el documental We are Twisted Fucking Sister, el cual gira en torno a la icónica banda de rock Twisted Sister.

Por: César Casillas

Antes, mucho antes de aquel mítico 1984, aquel ochenta y cuatro del reinado en MTV, de la comedia slapstick en el “I wanna rock”, de las payasadas en videoclip al ritmo de “we´re not gonna take it, anymore”… antes de la fama mundial, “american dream glam”, de la provocación, lipstick… sensación ochentera de inocente rebelión contra padres y maestros estereotipados.

Antes de eso, ocho años antes de eso, en algún un sucio bar de New Jersey… o de Connecticut… da igual, cerca de New York pues, una banda tocaba cuatro días a la semana, llenando esos bares con cientos, a veces miles, de perdedores… “Sick motherfucker friends of Twisted Sister” se autodenominaban, cuya pasión por la banda que tocaba frente a ellos los urgía a una peregrinación por cada uno de los bares en donde ellos se presentaban, en una liturgia que los llevaba en procesión de Long Island a Wantagh, NY, de Adams, Massachusetts a Detroit, Michigan, solo para escuchar y sentir en los huesos la música de una banda de bar, sin disco, sin casa discográfica, sin promoción radial, completamente autogestiva y vestida para matar, sobrecargada de maquillaje y violencia, llamada Twisted Sister.

We are Twisted Fucking Sister (2016) es un documental escrito y dirigido por Andrew Horn, disponible en Netflix y financiado mediante crowdfunding (pequeñas aportaciones realizadas por internet que hicieron posible su filmación). Durante una entrevista, realizada por el mismo Andrew Horn a Dee Snider, vocalista de Twisted Sister, este se dio cuenta del valor de aquella historia llena de sudor, dolor, insomnio, cansancio, frustración, provocación y bares destruidos de una banda emergente que a base de constancia se convirtió en el grupo de rock más respetado… claro, todo esto en su reino tri-estatal de New Jersey, New York y Connecticut.

Partiendo de esta simple premisa, una banda independiente que no se conformó con vivir de su música tocando en bares (hasta para 3,000 seguidores algunas noches, todo un logro), sino que ambiciono siempre la trascendencia, tocar en estadios y giras mundiales, el documental se concentra en la lucha por sobrevivir en el duro circuito de bares en los suburbios neoyorquinos, los problemas del autofinanciamiento y la discriminación por su estética drag queen, motivados por una sencilla razón… sabían que podían hacerlo, el hecho de que tenían la calidad suficiente para triunfar era algo que nunca estuvo a discusión, solo era una lucha contra las circunstancias.

Por esta razón es más conmovedora la historia, conforme ves en el documental la entrega escénica del grupo, la reacción frenética del público en sus pequeños conciertos, la disciplina de la agrupación (Jay Jay French y Dee Snider no tomaban, casi no dormían y respetaban religiosamente cada uno de sus compromisos laborales) y la búsqueda constante de calidad tanto en su música como en su espectáculo glam-rock encima del escenario, te resulta más difícil creer como pasaron diez años sin que una disquera los firmara, mucho más difícil de creer las anécdotas que ocurrieron en torno a las primeras disqueras que lo intentaron.

Así, el filme se desdobla dentro de una perfecta edición y sonido, dando el protagonismo a los músicos y presentando a los personajes en el orden cronológico exacto de su ingreso a la agrupación. Vemos desde un joven Jay Jay French que abandona la textura hippie para entregarse a la estética glam andrógina al estilo David Bowie, los problemas de la incipiente banda para encontrar vocalista, el arribo tres años después de un tímido Dee Snider a la agrupación, su evolución en un “animal” que literalmente devoraba el escenario y llevó a Twisted Sister a ser una banda de culto. Nos muestra la historia de su primer sencillo independiente “I´ll never grow up now” en 1979, sus cambios de integrantes, sus problemas financieros, sus conflictos con la disquera que, al final, termino doblando las manos para firmarlos de la manera que menos imaginaban. Una historia de esfuerzo en la que Dee Snider, Jay Jay French, Eddie Ojeda, Mark Mendoza y A.J Pero, son contratados por Atlantic Records durante una gira autofinanciada por Reino Unido.

Todo está en este documental… todo antes de alcanzar el estrellato. Después del mágico 1984 es “historia de otra película” como advierte el mismo director. Creo que esto es el mayor acierto de la documental, nos cuenta la parte de la historia que no se conoce, para conocer el resto sólo basta teclear “Twisted Sister” en el You Tube… esa es la parte comercial, la parte que no necesita de una película para contarse… la misma historia de éxito y declive que han vivido otras decenas de bandas.

Aquí tenemos una radiografía de lo fue una banda antes de alcanzar el estrellato, irónicamente duro más tiempo su carrera en los bares de New York que el reinado de rock mundial que tanto ambicionaban… estrellas que se apagaron en su plenitud… la misma historia de siempre, cuando el éxito te devora entero y escupe tus huesos.

Y ahora que veremos a Twisted Sister en la próxima edición del Hell and Heaven en nuestro país… ahora que amenazan con que será su última presentación por estas tierras, vale la pena entrar en aquel sucio bar de los suburbios de New York en el 79, meternos entre la gente hasta llegar al frente del escenario, romper ahí un par de narices y, terminando la presentación, destrozar algo de ese bar. Tal vez después de eso disfrutemos diferente el concierto de este año en el Autódromo Hermanos Rodríguez… porque una cosa es segura, Dee Snider y su Twisted Sister tocaran con la misma energía que en aquellos bares, en aquellos años, donde forjaron su enferma le

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