El rock en español tendrá su documental y contará su historia a través de entrevistas y mucha música.
“Rompan todo” el documental de Netflix sobre el rock latinoamericano
El próximo 16 de diciembre Netflix lanzará el documental “Rompan Todo” que habla de la evolución del rock en América Latina y desde la salida del póster oficial ha causado revuelo en redes sociales.
El documental dirigido por Picky Talarico tiene como productores ejecutivos a Gustavo Santaolalla y Nicolás Entel.
Entre las bandas de rock y roqueros solistas podemos ver a: El Tri, Café Tacvba, Maná, Soda Stereo, Charly García, Molotov, Aterciopelados, Botellita de Jerez, Andrés Calamaro, Los Prisioneros, Los Fabulosos Cadillacs, Fito Paéz, Los Tres, Los Auténticos Decadentes y mucho más.
En el póster oficial de “Rompan Todo” se encuentran incluidos Maná y Mon Laferte, cosa que no les hizo mucha gracia a todos los fans roqueros de hueso colorado, el éxito de ambos es grande y seguramente tendrán su razón de estar incluidos.
En el tráiler oficial podemos ver casi al final los nombres de Control Machete y Zurdok dejando claro la relevancia de estas dos bandas a nivel de América Latina, no sabemos si se incluyan otras bandas de Monterrey, sin embargo creemos que El Gran Silencio, Jumbo, Plastilina Mosh, Inspector y otras grandes bandas del norte son indispensables en el rock en español.
“Rompan Todo” tendrá 6 episodios muy interesantes en los cuales narrara 50 años de rock, y como acontecimientos sociales y políticos fueron parte importante de la evolución de el rock latinoamericano.
Guitarras eléctricas y mucha pasión luchando contra el poder, la censura y la represión. Esto es ‘Rompan todo: La historia del rock en América Latina’. 🎸🔥 En Netflix el 16 de diciembre. 🤘 pic.twitter.com/9W0GIn0LmL
Sin duda va a causar revuelo y el éxito del documental sera rotundo, y todo esto va a ser narrado en voz de las bandas acompañados de material de archivo y muchas vivencias de los integrantes de las bandas.
Mientras tanto solo nos queda más que esperar a ver los seis episodios para conocer un poco más sobre como fue creciendo el rock en América Latina.
La banda capitalina confirmó el fallecimiento a través de sus redes sociales.
Siguen las malas noticias dentro del rock mexicano y es que se anunció el fallecimiento de Luis Aguirre, mejor conocido como “El Capi”, quien fue tecladista, guitarrista y uno de los fundadores de Los Estrambóticos.
“Nos enteramos del fallecimiento del exintegrante del grupo Luis César Aguirre. Nos solidarizamos con sus familiares y amigos. Les pedimos a todos que se sigan cuidando”, publicaron Los Estrambóticos en sus redes sociales sin dar mayores detalles al respecto.
Por el momento se desconocen las causas del deceso, aunque se rumora que fue víctima de COVID-19.
“El Capi” estuvo con “Los Estrambos” desde 1992 hasta el 2000, año en el que salió de la banda para formar después el grupo Boxer.
Pink Floyd terminó la gira “Animals” el 6 de julio de 1977 en Ontario, Canadá, y ocurrió un incidente que marcó el inicio de uno de los fenómenos musicales más grandes del siglo XX: un fanático le exigió a Roger Waters en pleno concierto que se acercara hacia el público, lo que provocó que el bajista perdiera la cordura y se abalanzara sobre el fan para escupirle en la cara.
Al acabar el show, Waters comenzó un proceso de análisis sobre lo que había sucedido: era demasiado el hartazgo que le producían la fama y los mega conciertos masivos que estaban haciendo.
De esta manera surgió la idea de poner una barrera que dividiera al público del escenario, extendiéndose esta idea hacia todos los tipos de barreras que tenemos o nos ponemos como personas y así se creó la esencia de “The Wall”.
Roger creó una trama basándose en un rockstar ficticio llamado “Pink”. A través de la historia de este personaje exploró las barreras que todos ponemos para evitar afrontar nuestros miedos y errores.
Llegó el momento en que la banda estaba analizando qué camino seguir creativamente y Waters puso a discusión dos ideas para el futuro: una de ellas fue rechazada ya que era demasiado personal (lo que a la postre fue el álbum solista de Roger, “The Pros and Cons of Hitch Hicking”) y la otra era el ambicioso y descabellado proyecto THE WALL, siendo éste el escogido por la banda.
Así, Pink Floyd ingresó al estudio de grabación en abril de 1979, rolándose por estudios de Francia, Nueva York, Los Angeles y Londres. Roger Waters, David Gilmour y el afamado Bob Ezrin fungieron como productores
El ambiente al interior del grupo no era tenso sino lo que le sigue. Roger Waters no quería en la banda al tecladista Rick Wright y obligó a los demás a aprobar la salida de Rick del grupo, con la amenaza de disolver el proyecto si esto no se daba.
Así, la participación de Wright fue mínima y en los conciertos posteriores participó como mero músico de sesión, deslindado ya del grupo.
El resultado fue un disco conceptual, con letras agudas, filosas, a veces sumamente conmovedoras, cargado de críticas sociales, familiares (incluso temáticas edípicas) y a la industria de la música, y claro, el tema que siempre acompañó a Pink Floyd: la locura.
Es en gran parte una historia autobiográfica. Waters se proyecta de más en la trama, incluyendo el fallecimiento de su padre en la 2ª Guerra Mundial.
Por otro lado, se hacen notables alegorías a Syd Barret y sus problemas mentales y claro una dosis de ficción.
El personaje central, “Pink”, es un rockstar que se derrumba mentalmente en una habitación de hotel al estar en plena gira, al cual le llegan flashbacks sobre su vida, cargados de dolor.
En cuanto al sonido, éste se diferencia de otros álbumes de la banda por poseer un sonido más duro, crudo y directo, dejando de lado los largos pasajes instrumentales de discos pasados.
Nick Mason suena más potente que nunca en la batería. Hay un excelso trabajo de teclados, sintetizadores y de órgano Hammond, siendo éste último el que le da gran personalidad al sonido del disco.
Por su parte Waters siempre contundente en sus líneas de bajo (¿hay alguna línea de bajo más alabada y conocida que la de “Another brick in the wall 2”?).
En tanto que Gilmour luce enormemente con sus poderosos riffs, dulces armonías y sus solos de antología (para muchos críticos y fans el sólo de “Comfortably numb” es el mejor “solo” de guitarra de la historia del rock).
El trabajo vocal es sobresaliente, percibimos a un Waters que transmite muchísimo, llegando a ser a veces desgarrador y Gilmour con su ya característico tono vocal siempre armonioso.
26 temas componen esta obra maestra, si bien es cierto que tiene ciertos altibajos es innegable que estos son los menos, el disco trae grandes canciones de altos vuelos, siendo memorables “Mother”, “Hey you”, “Goodbye blue sky”, “Don’t leave me now”, “Vera” y la portentosa “Comfortably numb”.
La gira de este disco constó sólo de poco más de 5 conciertos, debido al costo que implicaba realizar la logística del evento: en pleno concierto decenas de personas del staff colocaban una serie de ladrillos gigantes de cartón, hasta levantar un enorme muro el cual al finalizar era derrumbado.
Dicho muro servía como pantalla en la que se proyectaban alucinantes imágenes creadas por Gerald Scarfe, además se utilizaban marionetas gigantes, se contaba con un equipo de sonido e iluminación de primer nivel. Son, por mucho, los conciertos más impactantes que se han realizado en toda la historia.
Para muchos se trata de una obra sobrevalorada e inflada, a mi parecer se trata de un disco clave en la historia no sólo del rock, sino de la música popular del siglo pasado.
Es un álbum ambicioso que cumple con su cometido: generar impacto, consciencia, hacer una cruenta crítica a todos los círculos humanos, pero haciéndolo de manera artística, elegante, original y virtuosa.
A 41 años de haberse dado el proceso creativo de The Wall queda claro que éste disco no ha perdido vigencia, al contrario, se sigue vendiendo y escuchando en la radio, a pesar de las modas y cambios en la industria musical, además de que la banda sigue ganando adeptos entre niños y adolescentes.
No solo recomendó ver esta película filmada en Monterrey, sino que también se quejó de que solo la hayan calificado con “2 estrellas”.
La película “Ya no estoy aquí” sigue causando revuelo y es que ha ganado varios premios y ya está considerada para representar a México en los premios Oscar, además de que ha llamado la atención de varios personajes importantes entre los que destacan Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, pero del lado del rock alguien más se ha sumado a la fascinación por esta película filmada en Monterrey: se trata de Julian Casablancas.
En efecto, el cantante de The Strokes y The Voidz hizo una publicación en su cuenta de Instagram en la que recomienda ver esta película.
“¿Vieron “Ya no estoy aquí” en Netflix? Esa mierda está genial (Y por cierto, le dieron una calificación de 2 estrellas, no lo entiendo)”, escribió el músico.
Julian Casablancas agregó otros ejemplos de esta situación, en la que muy buenos contenidos artísticos han sido poco valorados por la crítica
Hay que tener en cuenta que desde que “Ya no estoy aquí” se lanzó en Netflix causó gran controversia, debido a que hubo una gran división de opiniones entre quienes quedaron maravillados con la película y entre quienes la criticaron por diversos aspectos, como la temática, los personajes, incluso hasta hubo quienes se burlaron de la historia reavivando algunos estigmas sociales.
Sin embargo, esta película de Fernando Frías se está colocando como el mejor lanzamiento del año del cine mexicano.
El 29 de noviembre de 2008 Oasis llenó la Arena Monterrey y dio un concierto memorable.
El 15 de junio de 2008 se dio una noticia muy esperada por miles de rockeros regiomontanos: Oasis anunció una gira por México y vendría a Monterrey a dar un concierto.
El show estaba programado para el sábado 29 de noviembre en la Arena Monterrey.
Esto causó una gran respuesta del público, a tal grado que para el 31 de julio ya se había agotado la totalidad de los boletos.
El concierto de Oasis en Monterrey
Finalmente el día llegó. Oasis dio muy buenos conciertos en en CDMX y Guadalajara los días 26 y 28 de noviembre y ahora tocaba el turno a Monterrey.
Ese sábado 29 de noviembre se vivió un ambiente inmejorable en la Arena Monterrey desde temprana hora, incluso varios hicieron fila en las afueras del inmueble desde un día antes.
Miles de fans de los hermanos Gallagher estaban con la emoción a flor de piel, pues era la primera visita de los británicos a Monterrey.
Poco después de las 21:30 horas inició el concierto con “Rock ‘n’ Roll Star”, “Lyla” y “The Shock of the Lightning”, esta última es el sencillo del disco Dig out your soul, el último de la banda y el que estaban promocionando en ese entonces.
Los gritos de emoción fueron la constante en este concierto, en el que se reunieron 12 mil 800 personas.
La avalancha de hits de Oasis continuó con “Cigarettes & Alcohol”, “The Meaning of Soul”, “Waiting for the Rapture” y “The Masterplan”.
La comunicación constante no es algo que caracterice a los Gallagher, sin embargo tanto Liam como Noel lanzaron algunos mensajes al público regio, agradeciendo las muestras de pasión de los fans.
“Songbird”, “Morning Glory”, “Ain’t Got Nothin'” y “The Importance of Being Idle” fueron otras de las canciones que sonaron durante este concierto tan esperado por años.
La producción fue austera, pero lo importante es que el sonido estuvo a la perfección y eso ayudó a que los fans vivieran una experiencia de primer nivel.
La parte final del show se dio con los clásicos “Im Outta Time”, “Wonderwall” y “Supersonic”, con la cual la banda se despidió del público y bajó del escenario.
Sin embargo, minutos después regresaron al stage y el encore se dio con una versión acústica de “Don’t Look Back in Anger”, además de “Falling Down”, “Champagne Supernova” y el clásico de The Beatles“I Am the Walrus”, con las que le pusieron punto final al concierto.
Al poco tiempo (en 2009) Oasis llegó a su fin y la banda no volvió a hacer nada. Hoy en día es el reencuentro más esperado, sin embargo parece que la reunión entre los hermanitos Gallagher parece más que imposible.
Lo importante es que los tuvimos en Monterrey y que miles de personas pudieron gozar de la magia de Oasis.
El talento de Matt Cameron lo ha llevado a formar parte de Soundgarden y Pearl Jam, dos de las bandas de rock más importantes de todos los tiempos.
Dentro de la escena rockera actual destaca un baterista que se ha convertido en un referente de su instrumento, me refiero a Matt Cameron, el baterista de Pearl Jam.
La historia de Matt Cameron
Matt Cameron nació el 28 de noviembre de 1962 en San Diego, California.
Desde los 14 años comenzó a tocar la batería, pero no fue sino hasta que cumplió 20, cuando se mudó a Seattle, cuando dio un brinco musical dentro de la efervescente escena que se estaba gestando en esa ciudad.
Tras pasar por varios proyectos pasajeros, en 1986 Matt se unió a Soundgarden, grupo conformado por Chris Cornell, Ben Shepherd y Kim Thayil.
Con Soundgarden grabó 2 EP y 6 álbumes de estudio, material en el que se encuentran algunos clásicos del rock de los últimos tiempos como “Black hole sun”, “Fell on black days”, “Spoonman”, “Loud Love”, “Rusty cag” y más.
Pero esta agrupación se separó en 1997, ante eso Matt Cameron siguió adelante.
En 1998 inició su andar con Pearl Jam, banda en la que aún permanece y no solo como un relevo, sino como un miembro importante del grupo, colaborando en el crecimiento de la banda con su trabajo en los últimos 6 discos del grupo.
Pero su talento y versatilidad han llevado a este baterista a colaborar con otros artistas como músico de sesión, entre quienes se encuentran Smashing Pumpkins, Geddy Lee, The Prodigy, Tommi Iommi, entre otros.
De igual forma en 2017 lanzó un disco solista llamado “Cavedweller”, el cual fue bien recibido y en este 2020 lanzó un sencillo llamado “Down the middle”, el cual suena bastante bien.
La cantante chilena había accedido a participar en un show a beneficio del colectivo Okupa Bloque Negro, sin embargo cambió de decisión tras recibir críticas de fans y activistas.
Mon Laferte publicó hace unas horas en sus redes sociales un mensaje en el que informa que cancela su participación en un concierto a beneficio del colectivo feminista Okupa Bloque Negro, tras saber que dicha organización es señalada por actos de transfobia.
La cantante chilena indicó que había accedido a la invitación de las integrantes de Okupa con la finalidad de recolectar víveres y diversos artículos para las mujeres de ese movimiento.
Sin embargo, tras hacer público el evento Mon Laferte comenzó a recibir críticas y mensajes diversos de parte de sus fans quienes se mostraron en contra de su colaboración con ese colectivo por su postura calificada por muchos como transfóbica.
Incluso Ophelia Pastrana, una de las activistas trans más reconocidas de México, lamentó la decisión de Mon a través de un hilo de Twitter, en el que hizo varios señalamientos contra el colectivo mencionado.
“Sin entender los motivos de esta acusación me pareció necesario investigar, entonces me comuniqué directamente con el bloque para saber saber su postura. Ayer por la tarde pude hablar con Erika (vocera de la Okupa y madre buscando justicia) le pregunté qué era lo que estaba pasando, Erika me dijo que ‘aquí el único enemigo es el patriarcado'”, explicó Mon.
Ante esto decidió no participar en el concierto, pues no quiere que se generen discusiones ni más divisiones, aunque recalcó que apoyará a ese colectivo recolectando ayuda.
Por último, Laferte pidió que “aprendamos a respetar a todas las luchas, para que todos los mundos quepan en un mismo mundo”, señalando que la división no es el camino.
Pearl Jam brindó un extenso y emotivo concierto en el Foro Sol de la Ciudad de México la noche del 28 de noviembre de 2015.
Emotividad, sentimiento y mucha intensidad fue lo que Pearl Jam derrochó en el concierto que dieron en México el 28 de noviembre de 2015, el último que dieron en suelo mexicano.
Poco más de 60 mil personas vibraron ante la maestría y pasión de Eddie Vedder, Jeff Ament, Mike McCready, Matt Cameron y Stone Gossard, convirtiéndose este concierto en una verdadera comunión entre la banda y el público.
La jornada inició a las 20:45 horas, comenzando de manera íntima con “Pendulum” y “Release”, creando atmósferas sumamente melancólicas las cuales contrastaron con los gritos de júbilo de los fans de Pearl Jam, quienes demostraron las enormes ansias que tenían por este reencuentro con el grupo de Seattle.
La noche se puso intensa con canciones cargadas de punch, como la clásica “Do the evolution”, “Breaker fall” y “Corduroy”.
El primer momento electrizante de la noche se dio cuando Mike McCready se bajó del escenario y se fue directo con el público de la primera fila, subiéndose a la valla de contención para desde ahí aventarse uno de sus característicos solos de guitarra.
Eddie Vedder estuvo en constante comunicación con el público, a quienes saludó en español, apoyándose en un texto que traía escrito, mencionando entre otras cosas que “la felicidad es un acto de desafío”, frase que arrancó una carretada de aplausos.
Pearl Jam continuó recetando hits sin piedad alguna, sonando “Even Flow”, “Daughter” y “I want you so hard”, canción original de Eagles of death metal.
Uno de los momentos más emotivos de la noche se dio cuando Eddie Vedder habló sobre un fan llamado Fernando, el cual murió a los 25 años de edad y cuya familia se encontraba presente en el concierto, a quienes les dedicó “Sirens”, la canción favorita de Fernando, la cual Eddie cantó con tanta pasión que hizo que a la mayoría se le erizara la piel.
Después sonaron “Lighting bolt” y “Rearview mirror” y con ellas la primer despedida de Pearl Jam del escenario, regresando minutos después para dar una serie de covers como “Throw your arms around me” de Hunters and collectors, “Imagine” de John Lennon, “Comfortably numb” de Pink Floyd, además de una canción de la faceta solista de Eddie Vedder, “Sleeping by myself”.
Un aspecto a destacar fue el impactante juego de iluminación y la producción de video, contando con una gran cantidad de cámaras, lo cual enriqueció enormemente la experiencia vivida.
Si ya en ese momento el concierto se había mantenido en un nivel de emoción gigantesco, faltaba lo mejor por venir con las canciones “Animal”, “Save you”, “Faithfull”, canción dedicada a una fan que se encontraba en la primera fila, momento en el que Vedder bajó del escenario para cantarle cara a cara a la chica.
El momento más alto de la noche se dio con la clásica “Black”, incluida en el álbum debut de Pearl Jam, la cual fue cantada por todo el público viéndose embellecido el Foro Sol con las luces de encendedores y celulares, convirtiéndose aquello en una experiencia épica, tanto que en la parte final de la canción, los miembros de la banda se mostraron sumamente emocionados con las lágrimas a punto de brotar.
Después de “Porch”Pearl Jam se despedidió de nuevo y regresó nuevamente para cerrar de forma intensa con “Last Kiss”, canción dedicada a un miembro del staff quien se despedía esa noche de las giras después de 28 años de estar con el grupo, continuando con “Jeremy”, canción icónica de los 90’s, después de la cual se hizo un espacio para felicitar a Matt Cameron, baterista del grupo, quien estaba cumpliendo años, para lo cual la banda y el público le cantaron el “Happy Birthday to you” y después “Las Mañanitas”, ésta última canción a iniciativa de Eddie Vedder.
La parte final llegó de la mano de “Better man”, “Alive”, “Rockin’ in a free world”, canción de Neil Young, en la que se dio una lluvia de vasos (vacíos y otros con líquidos diversos), finalizando con la clásica “Yellow ledbetter”, cerrando de esta forma un concierto épico, apasionante, que no defraudó y que confirmó que Pearl Jam es una banda como pocas, que no solo se sube a tocar y a cobrar, sino que dejan el alma en el escenario.
“The end”, incluida en el primer disco de The Doors, es una de las canciones más polémicas de la historia del rock.
Una de las canciones más enigmáticas y a la vez controversiales en la historia del rock, es obra de The Doors.
El álbum debut y homónimo de la banda formada en Los Angeles, California, representó un éxito inusitado para una agrupación “en pañales” como lo eran The Doors.
Rock, blues, algo de jazz, mucho ácido y mucha psicodelia era la fórmula que Morrison, Manzarek, Densmore y Krieger abrazaron y que los llevó a la fama.
La clave importante de este disco, salido en 1967, radica en que todos los temas incluidos en este álbum ya tenían mucho tiempo de ser tocados por el grupo en sus frenéticos shows en el circuito californiano.
Una de estas canciones se distingue por su larga duración, por su aire místico, sombrío, por momentos tétrico, pero sobre todo por la parte final en la que la catarsis se vuelve vorágine, escándalo.
En 1966, en el mítico Whisky A-Go Go, “The end” cobró vida.
Esa noche The Doors hicieron 2 shows en dicho lugar, pero al primer concierto Jim no salió a escena. Cuando lo buscaron John y Ray lo encontraron gateando, alucinando y diciendo incoherencias, además de afirmar que había tomado “10,000 micro gramos de ácido”.
Lograron llevar a “Jimbo” al antro para poder cumplir con el segundo show y la hecatombe ocurriroó: Morrison sumamente “inspirado” empezó a recitar algunos pasajes o visiones sumamente inquietantes, cerrando con el ya clásico: “Padre quiero matarte… Madre quiero cogerte”.
Todo mundo pasó del alucine a la perplejidad, se hizo un silencio sepulcral y de esta manera contundente, cual ladrillazo en la cabeza, terminaron ese show.
The Doors siempre manejó una dinámica en sus shows en vivo consistente en darle un papel importante a la improvisación: Morrison hacía lo suyo, cambiaba algunas letras o incluía poemas o hacía algo inesperado, no planeado, y el resto de la banda debería estar presto para no sólo acompañar al “Rey Lagarto”, sino para acentuar las atmósferas que se iban creando y algún aspecto de la letra.
Así, esa noche, la banda no se sorprendió por el verso edípico incluido por Morrison, lo tomaron como una improvisación más, pero al bajar al camerino, Phil Tanzini, dueño del Whisky A Go-Go los estaba esperando encolerizado por el escandaloso final, llegando casi a los golpes con Jim, despidiéndolos y rompiendo el contrato que los ligaba.
En ese concierto se hallaba presente el productor Paul Rotchild, quien de inmediato notó el potencial de The Doors, así que los recomendó con discos Elektra y firmaron contrato.
El mismo Rotchild fue el productor del álbum debut de la banda y, obviamente, “The End” tenía que estar en dicha obra.
En aquella época las técnicas de grabación eran aún muy rudimentarias; “The End” se grabó en una sola toma, es decir, casi en vivo.
Lo intentaron una noche y no funcionó; lo intentaron la segunda noche y finalmente quedó. Lo más difícil fue lograr que la voz de Jim llegara de la cabina a donde se encontraban los músicos, para poderse guiar correctamente, además de que Robby cambiaba de guitarra en la canción.
Se dice que incluso el mismo Jim hacía sus clásicas coreografías para hacer las cosas lo más cercano a un concierto.
“The End” es una canción hipnótica, que lleva directo al trance; la unión de todos los fragmentos presentes en esta canción la hacen aún más compleja pero a la vez rica. La letra está cargada de influencias psicoanalíticas, momentos depresivos y otros tétricos, pero a pesar de esta denzura se convirtió en una de las canciones más populares de The Doors, manteniéndose como una de las canciones más polémicas de todos los tiempos.
La noticia fue realizada por el diario Clarín de Argentina.
La leyenda del fútbol mundial Diego Armando Maradona muere a los 60 años
Se reportó que un paro respiratorio fue el responsable de terminar este miércoles con la vida de Maradona, recordemos que la estrella del balompié fue intervenido de para operar un edema cerebral con éxito, sin embargo el organismo de Diego Armando Maradona no pudo más.
Su salud se deterioró tras los excesos en su vida, Maradona ya nunca fue el mismo que todos idolatraban, ya no podia sostenerse en pie, tenia que ser ayudado, sobrepeso, adicciones, su corazón solo funcionaba al 30% y otras dificultades en su vida, fueron acabando poco a poco a este gran jugador.
Maradona hizo el que es nombrado “El mejor gol de la historia del fútbol” aquí se los dejamos
Sin duda va a ser una de las muertes que más pesen en el mundo por todo lo que represento Maradona en la historia del fútbol.
El cantante Manu Chao siempre le demostró su respeto y admiración componiéndole una “Si yo fuera Maradona”
Jet Jaguar es un grupo originario de Quintana Roo, surgido en 2014. Actualmente está conformado por Maxx Mendoza, Sergio Güez, Nehuen Pacheco, Jorge Ramírez...
